Galería Rafael Ortiz

Proyecto realizado con la ayuda del Ministerio de Cultura y Deporte

“Nuevos Cánones. Entre la escultura y la arquitectura”

 
¿Apropiarnos del espacio es crear escultura? Algo que para entenderlo hay que mirarlo desde tantos puntos que resulta imposible ver o imaginar un todo, ¿tal vez es arquitectura?
 
En esta segunda entrega de las exposiciones online de la Galería Rafael Ortiz, titulada “Nuevos cánones. Entre la escultura y la arquitectura”, mostraremos cómo algunos artistas construyen a partir de nuevas ideas que redefinen la escultura, ya sea por los materiales utilizados -desde los más tradicionales hasta los más nuevos, creando sin pudor un mestizaje entre ellos- o ya sea por los particulares cánones con los que se rigen sus creaciones.
 
¿Cómo nos relacionamos con las obras en tres dimensiones? Siempre se ha dicho que la escultura hay que tocarla, y es verdad. Las manos descubren sensaciones que completan la pura visualidad. 
 
En muchos de estos casos, hay que entrar físicamente en el espacio de la pieza, o bien, habitarla visualmente. Papel, bronce, hierro, cerámica, porcelana o madera son algunos de los materiales utilizados en esta propuesta. En algunos casos tratados según técnicas clásicas, en otros, nada canónicos.
 
En esta ocasión nuestra artista invitada es Ángeles Marco, artista fundamental para entender la transformación de la escultura de España a finales del siglo XX.
 
Obras de: Eugenio Ampudia, Carmen Calvo, Nacho Carbó, Carlos Domingo, Dorothea von Elbe, Equipo 57, FOD, Carlos Forns Bada, Dalila Gonçalves, Curro González, Miki Leal, Ángeles Marco, Norman Morales, Ubay Murillo, Manolo Ortiz, José Miguel Pereñíguez, Guillermo Pérez Villalta y Zush-Evru.
 
Todas las obras están a la venta. Aplicaremos un 10% de descuento especial en agradecimiento a la contribución al mantenimiento de la actividad de la galería y al soporte de los artistas en estos tiempos tan complicados. 

SOBRE LOS ARTISTAS

EUGENIO AMPUDIA. Melgar, Valladolid. 1958.
 
Artista multidisciplinar muy reconocido, su trabajo indaga, bajo una actitud crítica, sobre los procesos artísticos: el artista como gestor de ideas. Le interesan especialmente el papel político de los creadores, el significado de la obra de arte, las estrategias que permiten ponerla en pie, sus mecanismos de producción, promoción y consumo, la eficacia de los espacios asignados al arte, y el análisis y experiencia de quien las contempla e interpreta.
Sus obras se han expuesto internacionalmente en lugares como ZKM, Karlsruhe, Alemania; Jordan National Gallery of Fine Arts, Ammán, Jordania; Museo Carrillo Gil, México; Boston Center for the Arts, Boston (MA), Estados Unidos; Ayala Museum, Manila, Filipinas; y en Bienales como la de Singapur, la Havana, la Bienal del Fin del Mundo. Su trabajo forma parte de importantes colecciones como las de MNCARS, MUSAC, ARTIUM, IVAM, La Caixa, entre muchas otras.
CURRO GONZÁLEZ. Sevilla, 1960.
 
Realiza un trabajo lleno de recursos y de intención que reflexiona sobre múltiples temas como el Arte y su Historia y la actualidad Social y Política, de modo que nos propone una visión de su entorno cercano y viene a hacerlo desde una posición de exilio interior, ofreciendo sus reflexiones desde diferentes ángulos y con procedimientos diversos: pintura y dibujo, pero también escultura y animación. Trabajos que nunca están exentos de cierta ironía y que destilan un agudo sentido del humor.
Su obra se puede contemplar en importantes Museos y Colecciones públicas, entre otros, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Colección Banco de España (Madrid), Colección Goldman Sach Int. Ltd. (Madrid), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Stadtbücherei (Sttutgart, Alemania), Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria) y Museo Würth (La Rioja).
CARMEN CALVO. Valencia, 1950.
 
Carmen Calvo es en la actualidad una de las artistas conceptuales más internacionales del panorama artístico español. Es Premio Nacional de Artes Plásticas 2013 y Académica de las Bellas Artes de San Carlos de Valencia. 
Su obra puede contemplarse en los más importantes museos y colecciones públicas nacionales e internacionales como The Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York, EE.UU), Fond National d’Art Contemporain. F.N.A.C. (París, Francia), Mie Prefectural Art Museum, (Tsu, Japón), Fundación Peter Stuyvesant (Amsterdam, Países Bajos), MNCARS (Madrid), IVAM (Valencia) o Artium (Vitoria), entre muchos otros.
A través de los objetos intervenidos, Calvo nos ofrece un ejercicio de presente y futuro, enfrentándose con determinación a tabúes sociales; la artista hace suyos los objetos después de intervenirlos. Del anonimato de estos objetos, surgen otras realidades. La autora los estudia y analiza hasta el punto de que, en muchos casos, con una leve intervención, el objeto inerte o la foto anónima se hacen próximos, familiares, con una carga de dramatismo o de comicidad que antes no existía. De igual manera que el pintor usa la pintura, Carmen Calvo pinta o esculpe con ese preciado material que atesora algunas veces durante años hasta que el puzle se completa.
MIKI LEAL. Sevilla, 1974.
 
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, vive y trabaja a caballo entre Madrid y Sevilla.  De rica y compleja iconografía en la que referencias a la literatura, música y cine son una constante, su combinación nos lleva a sumergirnos en nuestros propios recuerdos, en nuestras más profundas vivencias y, quizás por profundas, no conscientes. 
El uso ya característico en Miki Leal del papel como soporte se extiende hacia la cerámica, en una línea creativa recurrente en los últimos años. Pintura que sale del marco y se materializa, convirtiéndose sus esculturas en vehículo para profundizar sobre la Historia del Arte. 
Cuenta en su haber con importantes galardones como el Premio BMW de Pintura (2016) o el de la bienal Martínez Guerricabeitia (2014) y sus obras forman parte de colecciones como MNCARS (Madrid), CAAC (Sevilla), Artium Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria) o Patio Herreriano (Valladolid), entre muchos otros.  
NACHO CARBÓ. Castellón, 1975
 
Ignacio Carbó es artista plástico y arquitecto (titulado con la doble especialidad de Edificación y Urbanismo, por la ETSAV y la Ecole d´Architecture de París La Villette), y doctor por la UPV con un trabajo de investigación acerca de los escenarios urbanos entre el arte y la arquitectura de finales del siglo XX. 
Tras más de diez años de estudio propio creando y construyendo obras de arquitectura, entre las que destacan el Museo de Cerámica de L’Alcora o la Escuela Infantil Soler i Godes en Castellón, así como numerosas viviendas unifamiliares, en 2014 puso en marcha el proyecto myarchitect, centrado en la creación de microarquitecturas.
Con este proyecto pretende revalorizar el oficio de arquitecto como creador, como hacedor de espacios y dinamizador de relaciones espaciales, fusionando en su obra la poesía ligada a la creación artesanal e involucrada con la sostenibilidad, junto a las nuevas tecnologías paramétricas de fabricación digital que están transformando la arquitectura más contemporánea.  
Las microarquitecturas de Ignacio Carbó son piezas frágiles, pero de gran potencia creativa, concebidas desde el lenguaje y la poética de la arquitectura, pero con dimensiones y materiales íntimos que enfatizan el diálogo con los “paisajes interiores” en los que se insertan.
Sus microarquitecturas son cuidados objetos situados a medio camino entre la arquitectura y las artes plásticas, pensados desde el ámbito de lo pequeño y el susurro, cuyo deseo es sugerir y favorecer encuentros y sensaciones que nos permitan viajar a otros mundos.
Su obra ha podido verse en Fundación Cañada Blanch (Valencia), Galería Rafael Ortiz (Sevilla), R.O. Proyectos (Madrid) o Galería Freijo (Madrid), entre otros.
ANGELES MARCO. Valencia, 1947-2008.
 
Estudió en la Facultad de BBAA de San Carlos hasta 1966 y obtuvo el Doctorado en 1987 por la Universidad Politécnica de Valencia, en la que fue profesora, compaginando la docencia con la creación durante dos décadas.
Ángeles Marco es una artista fundamental para entender la transformación de la escultura en España en los años ochenta y noventa del siglo XX. Pionera en el uso de materiales, fue capaz de crear un lenguaje propio y con postulados escultóricos ligados a las grandes corrientes artísticas internacionales, como el postminimalismo y el arte conceptual.
Ángeles Marco introdujo un personal entendimiento de los materiales y su posición en un espacio cargado de significado. Desde la pared al suelo, su obra fue asumiendo posiciones muy diversas en un espacio mutable que se hacía vulnerable y se endurecía a la vez. Materiales como el hierro, la madera, el caucho o las lonas, fueron adoptando múltiples configuraciones con las que desafiaba la gravedad, en tanto que se hacían firmes en un espacio inestable.
Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales, como MNCARS (Madrid), MACBA (Barcelona), IVAM (Valencia), Museo Patio Herreriano (Valladolid), Artium (Vitoria) o Museo de BBBAA de la Prefectura de Mie (Japón), entre otras.
CARLOS DOMINGO. San Agustín (Teruel), 1969.
 
Su obra refleja un claro interés por la relación del ser humano y la naturaleza: naturaleza frente a cultura y sus implicaciones en la cuestión identitaria. De marcado carácter dibujístico, se desarrolla a partir de la síntesis formal entre procesos, materiales e imágenes de origen natural. Utiliza el volumen como un recurso destacado, estableciendo relaciones conceptuales y formales para cuestionar el carácter de las cosas a través de formas ambiguas, manchas vaporosas y límites difuminados. Utiliza diversas disciplinas para dar formato a sus creaciones artísticas: escultura de factura manual en pequeño y mediano formato, 
pintura y dibujo, siendo el misterio el hilo conductor de su obra.
Carlos Domingo inicia su formación de Bellas Artes en Valencia, ciudad en la que actualmente ejerce de docente en el departamento de Pintura de la Universidad Politécnica. Además, es miembro del Centro de Investigación de Arte y Entorno en la misma. 
Desde 1993 ha realizado múltiples exposiciones a nivel nacional e internacional, con una coherente trayectoria, profundizando en un universo personal de imágenes encaminadas a potenciar en el espectador su mirada más reflexiva.
Su trabajo ha sido reconocido con el Premio Senyera de Pintura (2003), la Beca de Creación Alfons Roig (2005) o el Premio Nacional de Edición del Ministerio de Cultura (2012), entre otros. 
Sus obras se encuentran en colecciones privadas y públicas, como las colecciones CAM de Arte Contemporáneo, Fundación Chirivella Soriano, Museo de Teruel, etc.
NORMAN MORALES. Guatemala, 1979.
 
Norman Morales es un artista visual, cofundador del colectivo La Torana y del Taller Experimental de Gráfica de Guatemala. Estudió Arquitectura en la Universidad de San Carlos de Guatemala y Grabado en la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, México D.F.
Su obra transita en los caminos de la pintura, el dibujo y la escultura. No obstante, el resultado no siempre respeta los conceptos tradicionales de cada uno de estos campos. Su trabajo se distingue por su capacidad analítica, en donde prevalecen lo racional y la pulcritud de sus piezas, en donde “todo es orden”. Morales reflexiona sobre el espacio en el que confluyen la experiencia acumulada y la permanencia de lo futuro. Para ello, retoma lo arquitectónico como una forma de hablar sobre la construcción desde una perspectiva más amplia, vinculada a la idea del “ser en el tiempo”, de la presencia. Su objetivo es el de dejar una constancia, una orientación en el espacio y en el tiempo, haciendo que el mundo sea algo visible y espacial, un espacio donde vernos reflejados. 
Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en distintos espacios institucionales y privados de Guatemala, Costa Rica, EE.UU., Ecuador, Perú, México, Honduras , República Dominicana y España, entre otros y sus obras están presentes en colecciones públicas y privadas de España y de diversos países de Sudamérica y Centroamérica.
DOROTHEA von ELBE
 
Dorothea von Elbe, aunque americana de nacionalidad, desde los años 80 reside en Córdoba, ciudad donde ha realizado toda su trayectoria artística. 
Para desarrollar su obra se recrea, fundamentalmente, en detalles específicos de la realidad natural. La Naturaleza ha sido motivo recurrente de las artes, pero también del pensamiento. Ambas disciplinas derivan de la observación y el ensimismamiento, de la voluntad de teorizar y explicar el mundo, de la obsesión por abarcarlo. La capacidad de curación y consuelo del arte (como sinónimos de trascendencia e interiorización) nos permite acudir a lo más efímero y sencillo como soporte conceptual, porque la densidad la provoca la singularidad de la mirada, el adecuado tratamiento de los materiales y el propio trazo. En la obra de von Elbe, el objeto individual termina por convertirse en icono de lo absoluto.
Ha realizado exposiciones individuales en España y Estados Unidos y su obra está presente en importantes colecciones públicas: Colección Testimonio de la Caixa, Biblioteca Nacional (Madrid)…
UBAY MURILLO. Tenerife, 1978.
 
Licenciado en BBAA por la Universidad de la Laguna, vive y trabaja entre Gran Canaria y Berlín desde hace más de una década.
A caballo entre varias disciplinas como la pintura, el collage y la instalación en las que combina diversas metodologías y soluciones visuales de un medio a otro y en diferentes soportes, Ubay Murillo trabaja sobre la imagen que tenemos -que proyectamos- del cuerpo contemporáneo tras la crisis económica. Además, plantea una reflexión sobre las propias disciplinas con las que trabaja.
Este enfoque se ve enriquecido con una investigación de cómo las imágenes producidas por las vanguardias en la creación del nuevo cuerpo social y físico permearon en el imaginario del capitalismo de consumo y cómo han moldeado el cuerpo que, ahora, tenemos y también imaginamos. 
Ha realizado importantes exposiciones en Tenerife, Madrid, Santander, Sevilla, Milán, Bremen, Berlín, Santander o México, entre otras muchas ciudades, y du obra forma parte de colecciones institucionales como CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno, Canarias) , colección CajaCanarias o Fundación Mapfre (Barcelona).
EQUIPO 57
Juan Cuenca. Puente Genil, Córdoba. 1934.
Ángel Duarte. Aldeanueva del Camino, Cáceres 1930- Sion, Suiza, 2007
José Duarte. Córdoba, 1928- Madrid, 2017
Agustín Ibarrola. Bilbao. 1930.
Juan Serrano. Córdoba. 1929.
 
La formación de este grupo, creado en 1957 y que perdura hasta 1962, aunque su disolución oficial se realiza en 1966 mediante una exposición en Berna (Suiza), es un hito en la historia de la modernidad artística en España. El Equipo 57 se situó en una línea experimental decantándose por una cierta interdisciplinariedad que hiciera coincidir la investigación artística y científica. En las obras del Equipo se percibe un anhelo por alcanzar la esencia del espacio, por superar los límites físicos y emocionales de la propia obra. Aunque la actividad artística del Equipo fue corta, su presencia en el mundo del arte es constante hasta la fecha.
Equipo 57 ha recibido importantes premios y reconocimientos, entre ellos, la Medalla de Honor de la Ciudad de Córdoba, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, otorgada por el Ministerio de Cultura y el Premio Pablo Ruiz Picasso, otorgado por la Junta de Andalucía. Su obra está presente en los más importantes museos y colecciones públicas nacionales e internacionales.
MANUEL ORTIZ. Sevilla, 1962.
 
Realizó estudios de Arquitectura en la Universidad de Sevilla y es Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Santa Isabel de Hungría, especialidad en Diseño. Comienza su actividad profesional en el terreno de la ilustración, publicando en diversas revistas. A partir de 1990 centra su actividad en el campo del diseño gráfico y editorial, realizando trabajos para numerosas empresas públicas y privadas, siendo especialmente significativa su estrecha colaboración con la Fundación Luis Cernuda y el Teatro de la Maestranza. Al mismo tiempo, desarrolla su actividad artística, con exposiciones en diversas salas públicas y privadas de Andalucía, como Casa de la Provincia de Sevilla, Sala Caja San Fernando (Jerez y Cádiz) o Galería Rafael Ortiz.
Desde 2012 forma parte del colectivo O|C, cuyo trabajo ha podido verse en exposiciones individuales en el MEIAC (Badajoz) o en el CICUS (Sevilla). 
FOD. Puerto Lumbreras, Murcia, 1973.
 
Licenciado en BBAA por la Universidad de Granada, vive y trabaja a caballo entre Puerto Lumbreras y Madrid. 
Su trabajo, dominado por la geometría, revisa los principios estéticos de la Bauhaus, explorando la relación entre el espacio, el soporte y el color, evolucionando desde referentes esenciales en la construcción-deconstrucción-destrucción, como Gordon Matta Clarck o Imi Knoebel.
En sus obras sobre papel y sus trabajos tridimensionales explora la presencia de la arquitectura más allá de los edificios, la necesidad de construir como condición propia del ser humano. 
Para sus esculturas, FOD se sirve de todo tipo de materiales, desde maderas reutilizadas y cartones hasta chapas onduladas, para acoplarlos de modo que obtengan una función distinta para la que en inicio se concibieron. Podríamos decir que estas esculturas, con un claro carácter recolector, motivan sus pinturas, que derivan a su vez en las arquitecturas, hasta hacer difícil establecer dónde termina cada disciplina y empieza la otra.
Ha realizado exposiciones en numerosas galerías de arte nacionales e internacionales, así como en espacios públicos, entre los que destacan La Conservera (Murcia), Casa Encendida (Madrid), Sala Verónicas (Murcia), o la Fragua de Tabacalera (Madrid), entre otras. 
JOSÉ MIGUEL PEREÑÍGUEZ. Sevilla, 1977.
José Miguel Pereñíguez aborda su obra desde esos aspectos de la representación que, en principio, se escapan. El artista se nutre de la cultura, ya sea de la música, del teatro, de la arquitectura, de la etnografía… y a partir de ahí, reinterpreta episodios históricos de una manera inteligente, reivindicando en su realización lo artesanal.
Pereñíguez se expresa fundamentalmente a través del dibujo y la escultura o la instalación, recurriendo a referentes históricos y culturales que reconstruye, reproduce, deforma, desmiente o celebra a través de una incesante labor en el taller que constituye la base de su trabajo.
José Miguel Pereñíguez es licenciado en Bellas Artes, con la especialidad de Pintura, por la Universidad de Sevilla. A lo largo de su trayectoria ha sido galardonado con diferentes becas y premios, como la del proyecto Generación de Caja Madrid en 2006, la Beca -Premio Velázquez de Pintura (Ministerio de Cultura, 2007), el Premio Lissone en 2010, la Beca Daniel Vázquez Díaz de la Diputación de Huelva en 2015 o el I Premio Cervezas Alhambra (2017), siendo considerado como uno de los grandes valores emergentes del arte español. 
Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y museos, como Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Patio Herreriano, Fundación Coca Cola, CAC Málaga …
CARLOS FORNS BADA. Madrid, 1956.
 
Aunque nació en Madrid, Carlos Forns vivió en Sevilla hasta 1966. Entre 1973 y 1976 frecuentó la Facultad de Arquitectura de Madrid. En 1976 comenzó los estudios en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, abandonándolos en 1978.
Desde 1996 ha colaborado con la firma Bulgari realizando una larga serie de óleos que cuelgan en sus joyerías de Roma, Madrid, Düseldorf, Osaka, Londres, Nueva York y Milán. Actualmente vive y trabaja entre Valencia y Madrid, habiendo pintando también durante largas temporadas en Roma.
Su trabajo, asociado en sus inicios con la Figuración Madrileña, se caracteriza por una fuerte plasticidad, próxima a la poética de los Valori Plastici italianos y de las vanguardias españolas de principios del siglo veinte, pero guiada por los recuerdos de su infancia en los jardines de Sevilla y el encuentro que en ellos tuvo lugar con la Naturaleza –“bajo el signo de la maravilla” y como semillero de analogías-, y por su creciente interés por la ilustración científica.
Artista de itinerario diverso y complejo en el que recrea un universo particular de plantas insólitas y extrañas, ha presentado exposiciones individuales en Madrid, Barcelona, Sevilla, Roma, Milán, Londres, Oslo…
GUILLERMO PÉREZ VILLALTA. Tarifa, Cádiz, 1948.
 
En 1966 comenzó los estudios de Arquitectura en Madrid, que abandonaría para dedicarse de lleno a la pintura. Su interés por la tradición clásica del arte le conduce a una pintura donde los recursos manieristas conviven con una iconografía clásica, en un ambiente muy arquitectónico. En los setenta se le consideró como uno de los artistas capitales de la denominada “nueva figuración madrileña”. En 1985 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas y la Medalla de Andalucía, en 1994 el Premio de Artes Plásticas de Andalucía y en 2006 la Medalla de Oro de las Bellas Artes. 
Sus trabajos están presentes en las más importantes colecciones públicas y privadas, como MNCARS (Madrid), The Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York) o Museo Marugame Hirai (Japón), entre muchos otros.
La obra de este artista ha estado siempre ligada a la más pura concepción artística. Los grandes mitos que han hecho fortuna a lo largo de la historia son retomados por Pérez Villalta para conformar una iconografía simbólica donde los más inesperados asuntos tienen una relación imprevista, hasta hacer trascender la más pura esencia de la espiritualidad occidental. La decoración y el ornamento tienen un papel importante en su obra. El gran partido que obtiene de su uso está en consonancia con la adecuación de su gusto personal con las referencias al tiempo en el que ha vivido. El ornamento siempre ha tenido un carácter colectivo, de identidad de una comunidad que el artista sabe interpretar. Sus obras más ornamentales recogen ese sentido del tiempo aún cercano, pero lo hace ya cargado de melancolía por su desaparición.
DALILA GONÇALVES. Castelo de Paiva, Portugal. 1982
 
Es licenciada en Artes Plásticas y Máster en Enseñanza de Artes Visuales (2009) por la FBAUP y la FPCEUP (Universidad de Oporto 2009). 
A partir de un juego experimental, Dalila Gonçalves nos muestra la permeabilidad entre las materias y procesos de la práctica artística y las vivencias cotidianas. 
A través de la utilización de herramientas como la instalación, la fotografía o la cerámica, la artista concibe objetos que no siempre implican una transformación real de las cosas, sino que, en muchos casos, se concretan simplemente en un uso inesperado, irónico, absurdo o metafórico de la materia. Por la sutileza de la información utilizada, por la naturaleza de los materiales o a través de su aparentemente sencillo modus operandi, la artista juega también con la propia “percepción” y con la idea de “evidencia”. 
Ha realizado residencias en el Programa KulturKontakt, Viena, Austria (2017); en la Residencia Inclusartiz, Río de Janeiro (2014); en la Residencia Pivô- Arte e Pesquisa, São Paulo (2018) y en la Fundación Marso, México DF (2020), entre otras. 
Expone regularmente en instituciones y galerías en diferentes países de Europa y Sudamérica, países en los que está representada en colecciones públicas y privadas.
ZUSH-EVRU. Barcelona, 1946.
 
Pocos artistas pueden presumir de tener su propio estado, con su bandera y hasta con sus sellos y su papel moneda. Eso es lo que sucede con Zush-Evru y su peculiar Evrugo Mental State. Artista plástico contemporáneo de reconocido prestigio, ha desarrollado parte de su obra en colaboración con el Massachussets Institute of Technology (MIT). 
Zush (desde 1968 y hasta 2001, seudónimo de Alberto Porta) ha seguido una trayectoria absolutamente personal en la que manda, sobre cualquier otro concepto, su voluntad de representar una realidad que él mismo ha conceptualizado en el Estado Mental de Evrugo. A través de imágenes de figuras más o menos antropomórficas, Zush ha ido describiendo a lo largo de su obra a los habitantes de Evrugo: seres a medio camino entre la psicodelia, el cómic y la tradición mágico-surrealista del movimiento Dau al Set.
Zush, personaje que ha acompañado al artista desde 1968, desapareció el 23 de febrero de 2001, durante la exposición TECURA en el MACBA. Esta desaparición representa el final de una era y el nacimiento de EVRU, definido como ARTCIENMIST, una suma de artista, científico y místico. 
Su obra ha sido expuesta en el Guggenheim de New York y en el Centro Pompidou de París y está presente en las colecciones de estas instituciones, así como en los principales Museos y Fundaciones españolas dedicadas al Arte Contemporáneo.